Friday, December 15, 2017

Interview November 2017: 10 Questions with P. Martos Lozano (English)

 
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Pablo Martos Lozano: CD Albums
Pablo Martos Lozano: Sony Classical: Haydn Violin & Cello Concertos
Pablo Martos Lozano: Sony Classical: J.S.Bach – The Goldberg Variations

1. This year 2017 you have released a marvellous Album CD with your performance of two Violin Concertos by Joseph Haydn: the Violin Concerto Hob. VIIa:4 in G Major & the Violin Concerto Hob.VIIa:1 in C Major. What led you to produce such CD with music by Haydn? What is your relationship with J. Haydn’s music and what attracts you most about his music? What has been your experience during the recording sessions?

There are many reasons behind this decision on Haydn.

And all these reasons just lead to the name of this absolute great Austrian master of music composition: Joseph Haydn.

The first reason, so, was the Orquesta Ciudad de Granada itself: it has a great reputation and prestige and especially in the classical repertoire. It is not a large-sized orchestra and, thank to this, it usually works on a repertoire typical of the classical period orchestras, that’s to say the music written in the 18th century. In its repertoire it has many works of the Baroque era, even though it is not a Period-Instruments Orchestra.
Then the maestro Antoni Ros Marbà is highly revered for his interpretations of Haydn’s music. If you put together all these elements, you already understand that the final result of this type of collaboration was just going to be highly interesting and that we could say certain things, by even breaking some clichés and all this beyond some immutable positions of certain schools of interpretation.

In conclusion, just add my typical curiosity for those repertoires which you very rarely find in concert halls.
The fact that Mozart had written his own marvellous violin concertos, on the other hand, generated the problem that his talent and his name were going to outshine those of the other composers of his era, both in the same music composition category and also in other more peculiar situations.

I adore those composers who managed to create some bridges between different forms of language. And sometimes such different types of style or of language were brought to excellence by composers who then became very famous for their works. And I am really interested in considering how a certain type of creation received its own birth in its most intimate manner. It is a special type of process which some of my favourite composers managed to master in a fundamental manner, thanks to their genius, a thing which made them great throughout the centuries in the field of musical creation.

This peculiar relationship among these different spheres (curiosity, admiration and love) led me to decide to start this project on Haydn’s violin concertos.

I can clearly see that there are so many recordings featuring the violin concertos by W. A. Mozart. And, exactly for this reason, I think that the concertos by J. Haydn, which have just few recordings, allow a musician to say something new with them and about them, through their interpretation and performance. Moreover, in that very moment, during the recording of these violin concertos, I felt that I could add my own contribution, exactly on the very special way I could say something new.

So my experience, during the recording of Haydn, was of great joy and pleasure.

During the sessions of preparation and the daily practice, I continuously tried various improvisations in the phrasing, in the articulations and ornamentations… In this way I maintained in myself that freshness of intention even much vivider… the very reason for recording this marvellous CD with Haydn’s violin concertos.



 
2. You had already produced a critically acclaimed Album CD with a transcription of J.S. Bach’s The Goldberg Variations for string trio and you are a well known Bach violin interpreter. What do you think of the evolution of violin writing and treatment in musical composition from Bach to Haydn and Mozart up to Brahms? Haydn wrote his violin concertos in his youth in the 1760s, Mozart his own concertos nearly 10 years later in 1775: what the differences between the concertos of these two composers?

Throughout history, from Bach to Brahms, violin writing has evolved so much and also the methods of writing and composition of the great composers evolved so much.

I think that the evolution of violin writing itself really took place, when the various composers invented new ways of treating that instrument. I can say even that sometimes those composers just worked, it seems, by deliberately forgetting what had been written for the violin beforehand.

A great example is the music by Bach itself. In his Sonatas & Partitas the polyphonic treatment is far superior to any other work written by the great famous Baroque virtuosos, like Biber. The difference is given by the fact that Bach works on the independence and the absolute development of all the voices in a way, which we can call complete, and all this on an instrument like the violin. From this we understand that, in that period, this type of music was somehow more on a intellectual level than on a more practical one. When I started studying the Baroque violin, I was shocked when I realized that Bach’s Sonata & Partitas so rarely appear in the repertoire and in the normal practice of the specialists of Baroque.

And, please, do not forget that his Brandenburg Concertos was really too demanding for the violinists of that period!

And, about his Sonatas & Partitas, they are de facto the only Baroque a solo you play practically only on a romantic violin!

Pablo Martos plays Bach’s Sarabande,
Partita II in D minor BWV 1004



Mozart’s treatment of the violin in his concertos is exactly identical to the treatment of the voice of an opera singer. When the violin plays, it is always in the foreground and more and more it acquires the dimension of various different characters of an opera. The fundamental difference with the violin concertos written by Haydn is due to the fact that in Haydn’s concertos we find clear reminiscences of the Baroque Concerto Grosso. In our version we want the violin to often play as if part of the tutti and that only at certain given moments its sound resurfaces and emerges as a solo, and especially when the writing of thorough bass allows all this. I like recreating that special sonority of Corelli’s Concerti Grossi during the performance of Haydn’s violin concertos. And I adore Haydn’s superior command in writing any sort of ornamentations, imitating thus the Italian opera style. It is a thing of magnificent beauty! And this is due also to the fact that the first violin concerto was written by Haydn for one the most important violin virtuosos in history: Luigi Tomasini. In fact, the first violin concerto by Haydn features really great virtuoso and demanding parts, for its passages extremely high and rapid.

If we put together all the qualities of the violin concertos written by Mozart and by Haydn, we’ll discover the essence of what will be, a few years later, the great romantic concerto. Just create a much heavier orchestration, add a pizzicato to the left hand and some harmonics and you’ll have the typical writing of Paganini.

In Brahms’s concerto the violin writing receives some changes and evolves in a way that allows the violin to have a more penetrating and wider sound. And all this makes the competing of the violin with the typical grandeur of a grand orchestra possible. The overwhelming and voluminous sonority generated by Brahms with his orchestra is far superior and requires some adjustments. But, I say, the lyric essence itself of the violin as instrument remains immutable and unchanged throughout history.



 
3. You have studied at the Mozarteum in Salzburg and with Yehudi Menuhin and then you have worked with Barenboim. How these three different fundamental experiences have enriched your life, as an artist and as a person?

They are just three completely different points of view.

I studied with Reinhard Goebel in Salzburg and I learnt to play and treat a very peculiar and rather different type of instrument: the Baroque violin. Moreover he well knew how to transmit all his passion for the original sources. His teachings and his words were always fundamental on how we are craftsmen ready to serve the music and accurately try to investigate the techniques of music interpretation and performance of composers such as Corelli and Vivaldi. It was a type of work rich of genuineness and exciting. In this way, in fact, I had the possibility of studying the many fundamental rules of that period to be used to correctly interpret and perform the music written by Mozart and by Bach. And what I liked the most of all is that I learnt, at the same time, how to use our own energy, passion, vitality and artistic strength during a music performance, by using those very rules in a creative manner and so that the technical discourse led to a practical performance and was not left on a pure intellectual level: you must obey this and this, just because the treatises say that and nothing else… because this is exactly the worst thing which may happen.

Just on the opposite side we find Yehudi Menuhin, the descendant of an ancestry of romantic virtuosos. The sound of Menuhin was immensely expressive. I was not lucky enough to regularly work with him, but, as long as we worked together, I learnt how important tension is in the musical form. For example, how we must organize the energy and the sources of tension in a 13 minutes piece, like Bach’s Chaconne for violin solo.

The performance of the short pieces which are parts of that work by Bach was carried on with a great sense of liberty and especially through an accurate perception of one’s own intuitions. Such concept is difficult to explain, because it is not directly tangible, however this is a fundamental point you must master, if you want to build a really moving performance.

From Daniel Barenboim I learnt how to systematize their various aspects of music, by considering them as a whole. All the arts have a fundamental unity and are the fruit of the thought and of the human soul in every moment of our life. If we didn’t live that philosophical thought which permeates us, we would not have anything to say. The music must be not only beautiful, but it must be a sort of container for something greater. The real content of our artistic expression must be a sort of militancy and commitment to something superior to the pure creation of something just beautiful.

When Beethoven wrote his music, he was not just doing some abstract exercise, he was not just building chains of chords in a way only a man of absolute genius can do, but that very writing in Beethoven was just an instrument to cry loud what the human beings have to do in this world, when they come to life. And this is to live within our own community and to have the capability of going beyond the pure present time, through a sort of transcendence. In this way, the Prehistoric painters started drawing animals on the walls of their caverns and, in this way, Michelangelo showed us, through his Cappella Sistina, that our reality is just the reflection of something more profound, like the truest essence of every human being, among the other things.



4. In 2005 you have founded with your brother, the cellist Alberto Martos, the Garnati Ensemble and then in 2013 you were the artistic director of the Garnati concert series in Granada. How and why did you decide to found your Ensemble and what have been the challenges and the accomplishments, you experienced during your activities as an Ensemble and as an artistic director? What your future targets and projects, both as a soloist and as member of your Ensemble? You  also give masterclasses: so what do you think it is your very first advice to young violinists?

We think that Chamber Music is one the most inextinguishable sources both of the musical enjoyment and of musical experimentation.

Of all my creative processes curiosity is the most important creative process. So we wanted to know how the most representative works in the History of Chamber Music would have sounded, once in our hands. We wanted to give voice to all those many composer, who, due to various circumstances, can’t have that voice they should have.

Our Garnati Ensemble gives us the possibility of investigating and of entering new universes, without the necessity of organizing a huge production frame with all those difficulties of time and money, that such types of productions always imply.

We had the possibility of performing a new daring transcription of Bach’sGoldberg Variations, of giving the premiere performances of the trios by Conrado del Campo, just magnificent music forgotten in a drawer for 100 years.

Moreover we are lucky enough to have contemporary composers who write new music for us. So we can work with them side by side, we can test the various sonorities and sometimes we also give some advice to them. This creates a fertile terrain to maintain one’s own spirit always high and always moved by curiosity. Curiosity, which, even though properly fed, becomes even more insatiable.

My main target is to maintain this sort of mental image and to keep working, by following this direction. Among my future projects, as a soloist, there is a series of performances and of recordings of the Sonatas & Partitas by Bach. I can say the same about the music by Niccolo Paganini. But I wanted to show a lesser know aspect of that Italian genius… So far, I can say that surprise is an art on its own and hence I want to work on it in the correct manner!

Pablo Martos plays Bach’s Allemande,
Partita II in D minor BWV 1004


 
Because I do really hope to impress my audience with my future projects, as I impress myself, when I am working on their creation. And I do really want to raise the desire of being curious in all those who live a direct encounter with my works.

One of our future projects, as Ensemble Garnati, I can say, it has something to do with the concept of The complete works by Mozart. And I can say only this at this moment… because I must stop, since I already see a major beautiful surprise over there…!
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To all those students, who want to be real musicians, I want to say: just venture out, by following the path of music, exactly as Don Quixote de la Mancha ventured out, with all his strength, into his own adventures. With humility, but with courage. They must listen to and read, with great attention and curiosity, all that they find, by following their own artistic path.

These are fundamental trails and fundamental steps. The most important thing is not to be too attached to some particular target, because I think that a real target does never exist; what really matters, is to proceed following one’s artistic and life path with a strong sense of genuineness and sincerity.

They must learn from their teachers, even if afterwards they will decide not to follow their teachings any more: it is important, in fact, to always ask oneself why and investigate the inner reasons of the many things one encounters in his life. They must listen to the reasons of their teachers, but, at a certain point, they must investigate the questions by themselves and find an answer on their own.

But this process must never be carried on with arrogance or as inspired with a vain self-confidence. It must be carried on through a laborious daily work and through a restless research, which will clearly show what really effectively works for one’s own sphere of sensibility. This is a way to see what is better for me or for you etc., when you must decide how to interpret music, how to play music and how to write music.





5. Your favourite work by Mozart and your favourite work by J. Haydn.

It’s simply impossible for me to name just one work by one of these two composers. And I can’t say all their works, either.
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I adore the atmosphere of mystery of the beginning of the Dissonance Quartet by Mozart. And then the naivety and the tenderness of his first Sonatas for Violin and Keyboard…

And what about the extraordinary strength of his Symphony No. 39 and then his Requiem…

All his works are and each of them are a world by itself and Mozart is so a prolific a composer and one of the things I find more fascinating about him is that he is totally incapable of restraining his creativity when he wants his melodies to fully unfold… even though sometimes, in its musical form, the discourse does not seem to follow any special path, Mozart suddenly must add one of that most beautiful melodies by him, as soon as that flashes in his mind! This thing happens continuously and I find it really amusing!
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I admire the craftsmanship of Haydn, his rigour and how wisely he uses little tricks in his scores just to demonstrate that nothing is always so predictable as we may sometimes expect. I have played many violin, cello and piano trios written by him… And then I find his violin concertos as products of great elegance and by a man of absolute genius. The nakedness, which the soloist sometimes has to face, made his works for violin really demanding and of a superior beauty. Despite some Baroque characteristics of these works, their inner musical spirit just strongly prevails and I think, in conclusion, that they really represent those rays of the light of the joie de vivre typical of the Age of the Enlightenment.



6. Do you have in mind the name of some neglected composer of the 18th century you’d like to see re-evaluated? 

Unfortunately there are too many of them…

The Quartets by Manuel Canales are very beautiful and special, they have a peculiar language typical of them only and also so distinctive for that era.

I adore this period of the History of Music, when I find composers who are full of Italian spirit. We got into the habit of associating this period of the History of Music only with Mozart or Haydn. But I adore, for example, the music written by Pietro Nardini. You hear the classicism in his music very well and I like how it features that typical Italian virtuoso style, so that it reminds me of the musical motives written by Vivaldi or by Locatelli.

José Herrando is also a great Spanish composer, who wrote a beautiful collection of Sonatas for violin and thorough bass. In this case, the thorough bass is performed by a cello solo (and not through a figured bass). This creates a peculiar situation: the bass sounds, to a modern listerner, somehow as less full than a thorough bass with harpsichord. Therefore these Sonatas will appear to us in all their beauty as full of imagination and fascinating, as long as you listen to them, by living this experience with an ear well aware of the historical period.



7. Name a neglected piece of music of the 18th century you’d like to see performed in concert with more frequency.

The violin concertos by Nardini. In fact, they have a structure similar to that of the violin concertos by Haydn, but with phrases and ornamentation all’italiana. I have always loved the virtuoso treatment typical of the Italian instrumental music.

I adore also the Violin Concerto No. 2 in A major by Joseph Bologne,Chevalier de Saint George. I must say that his violin concertos are really magnificent and fascinating. I think that, if people just better knew the life of the Chevalier de Saint George, they would be more attracted and interested by the curiosity of listening to his music. It seems just incredible that this man is the very first western classical composer of African ancestry. He was the son of an African slave woman and of a French soldier who lived on the islands of the Carribean Sea. He was also a dancer and a champion fencer. His music is lively, full of life and so brilliant with its marvellous melodies.

And I can say the same also for the Violin Concerto in G major by Jan Jiři Benda. It’s a marvellous concerto, featuring so many beautiful phrases.





8. Have you read a particular book on Mozart Era you consider important for the comprehension of the music of this period?

There are two fundamental books which I consider essential to comprehend both the spirit and the form of the act of building music in the 18th century. They are the treatise by Leopold Mozart and the treatise on the art of flute by J.J. Quantz.

In the book by Quantz we can find all the elements for a correct performance and interpretation of the music by Bach. My teacher Reinhald Goebel assured that, starting with the Chapter XI or XII (I don’t remember well…), as soon as the part on the flute was already strictly treated, what was written was written for Pisendel, a great violinist of that era, who was in a close relationship to Bach. If you practically follow what you read in the book by Quantz and use it, when interpreting Bach, you’ll discover that Bach’s music will become easier in the very act of its performance and it will have more life and rhythm.

The treatise by Leopold Mozart is also very useful, even though my conclusions on it are that, in the end, you must play music with a good taste and by following the parameters of that era. In fact, L. Mozart is very insistent on the type of bowing and on the type of fingering you must use during the various situations you have to face. However, I think that such instructions are not very practical and efficient today with the modern bow and on a modern violin. It’s a very different type of instrument and the tension of the strings and the resistance of the instrument itself make certain proposals by L. Mozart not very practicable, but, instead, to know such instructions by L. Mozart is really essential, because a performer must interpret their real inner intentions and then must find a way to transpose, so to say, them on the bow and string instruments on which he must play, to get the real spirit of L. Mozart’s instructions.

These two books have been very inspiring during the sessions of recording for my recent CD on Haydn, even though I had to take some liberty, as I was saying, because I was recording Haydn not on a period instrument and also the orchestra was not a period instrument orchestra. I used my own cadences and Quantz writes, in his treatise, how important such behaviour of using his own cadences is.



9. Name a movie or a documentary that can improve the comprehension of the music of this period.

Unfortunately I know just few films or documentaries which really treat the music of this era in a very specific manner. I mean, the characters with a real box-office appeal (just to use a term typical of the world of cinema jokingly), and who belonged to that period of time, were mainly Mozart and then Haydn.

Therefore I think that other great moments of the History of Music did not receive that type of attention or study they really deserved, both at cinema and in the field of the documentary production. How beautiful it would be to see, in a good documentary, the very act of gestation and birth of the classical style in music with the children of Bach or with that School of Mannheim, which so impressed Mozart.

Nonetheless, and even though it is not a film on music, yes, I have the title of a film, which always moves me in a very special manner. It is Barry Lyndon by Kubrick.

It is a film set in the 18th century and its soundtrack is really marvellous: from that Handel’s piece, performed with such romantic passion, up to theAndante of the Trio in E-flat Major by Schubert.

I think that, considered as a whole, the film is a really good narration of the type of life and of environments within which the great composers of that period used to live. And it is for this reason that it can help us in the comprehension of that particular moment of History and of its art production.




10. Do you think there’s a special place to be visited that proved crucial to the evolution of the 18th century music?

I think that in that period a visit to Salzburg, Mannheim or Paris was fundamental to better comprehend what was going on in the world of music. To visit such places will be always a beautiful experience, still today, and especially to seek, so to say, talismans for admiration.

But I don’t think that a physical place, today, if seen as a destination of a pilgrimage for musicians is that important. I don’t think that a place can cause the infusion of a superior knowledge, superior to that particular emotion you can feel, instead, by finding yourself before the very violin of Mozart and so on.
In fact, I think that music is something far superior to that pure sensorial experience, implied by staying exactly in that physical place or by visiting it.

The legacy left by Mozart or by Haydn de facto transcends any dimension of place and even any dimension of time.

As a matter of fact, their language is so universal that it really finds its own right and truest position in our profound interiority and accompanies us there, wherever we are going. What will really draw us nearer to the essence of such language, is just to deeply study the scores and to have a good knowledge of the literature which can explain and illuminate that historical period.




Thank you very much for having taken the time to answer our questions!

Thank you!


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Entrevista Noviembre 2017: 10 Preguntas con P. Martos Lozano (Español)

 
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1. En este año 2017, has publicado un maravilloso álbum con la interpretación de los dos Conciertos para Violín de Haydn; el Concerto Hob. VIIa:4 en Sol Mayor y el Concierto Hob.VIIa:1 en Do Mayor. ¿Que te llevó a grabar este disco con la música de Haydn? ¿Cuál es tu relación con la música de Haydn y que te atrajo más sobre esta música? ¿Cuál fue tu experiencia durante la grabación?

Hubo bastantes motivos que formaron parte de esta decisión.

Todos ellos apuntaron a la vez a la increíble figura del compositor austriaco. El primero de ellos es que la Orquesta Ciudad de Granada tiene un prestigio labrado durante años especialmente en el repertorio del clasicismo. Se trata de una orquesta que no es de gran plantilla. Y debido a su estructura, ha trabajado frecuentemente el repertorio de plantilla clásica que precisamente suele coincidir con la música que se escribió en el siglo XVIII.

También es frecuente ver en sus programas un extenso repertorio del Barroco, pero no se trata en principio de una orquesta historicista con instrumentos de época.

Por otro lado el maestro Antoni Ros Marbà es muy respetado por sus interpretaciones de Haydn. La simbiosis de todos estos elementos ya prometia que el resultado podía ser interesante y podía tener algo que decir fuera de los clichés o escuelas interpretativas más inmoviles.

A todo ello se sumo mi curiosidad por los repertorios que menos se ponen en escena. El que Mozart escribiera sus maravillosos conciertos de violín, ocasionó el problema de que su talento y nombre eclipsara otras músicas de la época en ocasiones de igual categoría y a veces incluso más peculiares.

Siempre me fascinaron los compositores que crearon puentes entre los distintos lenguajes. Aunque en ocasiones estos estilos o lenguajes fueran culminados por autores que han llegado a ser muy célebres. Siempre me intereso el como se gestó la creación de la forma más íntima. Y es en este proceso donde son fundamentales algunos de mis autores favoritos por su genialidad e importancia a lo largo de la historia de la creación musical.

Esta relación de curiosidad, admiración y amor fue decisiva para embarcarme en el trabajo de estos conciertos.

Admiro mucho bastantes grabaciones de los conciertos de violín de W.A.Mozart, sin embargo pienso que los conciertos de J.Haydn al haber sido grabados menos, dejan margen a nuevas formas de decir cosas en ellos e interpretarlos. En el preciso instante de la grabación, sentí que podía aportar algo en el como decirlos.
Mi experiencia durante la grabación fue de alegría y disfrute.

Durante la preparación y práctica diaria realizaba improvisaciones en el fraseo, articulaciones, y ornamentaciónes. Trate de mantener la frescura que ello me aportó al proceso de grabación.



 
2. Ya produjiste un CD con una transcripción para trío de cuerdas de las Variaciones Goldberg de Bach que ha sido aclamado por la crítica y eres un conocido intérprete de la música de Bach. ¿Qué piensas de la evolución tanto musical como de la escritura para violín de Bach hasta Brahms? Haydn escribió sus conciertos en su juventud en 1760 y Mozart en 1775, casi 10 años más tarde. ¿Cual es la diferencia entre los conciertos para violín de ambos compositores?

A lo largo de la historia, desde Bach hasta Brahms, la escritura violinística ha evolucionado mucho, tanto como los métodos de escritura y composición de los grandes autores.

Creo que la evolución en sí de la escritura viene cuando cada autor inventó una nueva forma de tratar el instrumento. Yo diría que en ocasiones olvidándose por completo de cómo se había escrito para el instrumento hasta aquel momento.

Un claro ejemplo es la música de Bach. En la Sonatas y Partidas, el tratamiento polifónico es muy superior al de otros de mano de grandes virtuosos barrocos como Biber. La diferencia está en que Bach llega a trabajar la independencia y desarrollo absoluto de todas las voces al completo en un instrumento como el violín. Haciendo que para la época esta música perteneciera más a un plano intelectual que práctico. Cuando empecé a estudiar violín barroco me sorprendí de lo poco frecuente que son las Sonatas y Partitas en el repertorio y en los escenarios de especialista barrocos.

¡No hay que olvidar que los Conciertos de Brandemburgo eran demasiado difíciles para los violinistas de la época !

Cuando las Sonatas y Partitas es casi lo único barroco a sólo que se toca en el violín romántico.

Pablo Martos toca Bach Sarabande,
Partita II in D minor BWV 1004




El tratamiento que Mozart hace del violín en sus conciertos es exactamente igual que el de un cantante de ópera. Cuando el violín participa, está en un primer plano en todo momento y va adoptando el carácter de los distintos personajes de una ópera. La diferencia fundamental con los conciertos de violín de Haydn reside en que en estos, hay grandes reminiscencias del Concerto Grosso barroco. En nuestra versión intentamos que el violín se fundiera a menudo con los tuttis y que sólo resaltara en los momentos concretos, ya que así lo piden en su escritura de bajo continuo. Me gusta recrear la sonoridad de los conciertos grosos de Corelli en los conciertos de Haydn. También me parece magistral el como Haydn escribe adornos y floreros imitando el estilo operístico italiano. Me parece de una tremenda belleza. Esto también se debe a que el primer concierto fue escrito para uno de los virtuosos más grandes de todos los tiempos Luigi Tomasini. De hecho el primer concierto para violín tiene un virtuosismo extremo debido a sus pasajes extremadamente agudos y veloces.

Si fundimos todas las cualidades de los conciertos de Mozart y Haydn, conforman la esencia de lo que será más adelante el gran concierto romántico. Tan sólo hay que añadir un poco de peso en la orquestación, pizzicatos de mano izquierda y armónicos para encontrarnos con la escritura de Paganini.

En el concierto de Brahms la escritura violinistica se modifica y evoluciona un poco para que el instrumento tengo un sonido más pesado y amplio. Haciendo así posible el competir con la magistral y gran orquestación. El volumen sonoro que Brahms genera con la orquesta es superior y ello requiere adaptaciones. Pero como digo, la esencia lírica del violín permanece en todo su trayecto a lo largo de la historia.




 
3. Has estudiado en el Mozarteum de Salzburgo, con Yehudi Menuhin y más tarde has trabajado con Barenboim. ¿Como estas tres diferentes experiencias fundamentales han enriquecido tu vida como artista y persona?

Hablamos de tres ángulos muy diferentes.

De Reinhard Goebel, en Salzburgo, aprendí a conocer otro instrumento diferente, el violín barroco. Y el supo transmitirme el amor a las fuentes originales. Me pareció precioso el sentir que somos artesanos que están aquí para servir a la música y el tratar de investigar con diligencia como interpretaban los mismísimos Corelli o Vivaldi. Me pareció un trabajo muy honesto y apasionante. Conocí muchas de las reglas que eran imprescindibles en la época para interpretar a Mozart o Bach. Y lo que más me gustó era como transmitir toda nuestra energía, pasión, vitalidad y fuerza artística usando esas reglas y no quedándonos en un plano intelectual en el que sólo intentamos ser obedientes haciendo lo que dicen los tratados y nada más. Esto es lo peor que puede ocurrir.

En el polo opuesto podríamos encontrar a Yehudi Menuhin, quien viene de una tradición de virtuosos románticos. Su sonido era de una expresividad inmensa. No tuve la suerte de trabajar regularmente con él, pero en lo que trabajamos, aprendí la importancia de la tensión en la forma musical. Como hemos de organizar la energía y las fuentes de tensión a lo largo de una pieza de 13 minutos como la Ciaccona para violín solo de Bach. Pero la realización de las pequeñas piezas que conforman la obra, se hacían con gran libertad y ante todo sabiendo escuchar a la intuición. Algo que no es tangible y es difícil de explicar, pero fundamental para poder crear una interpretación emocionante.

De Daniel Barenboim aprendí a sistematizar el aspecto más holístico de la música. Todas las artes están unidas y son fruto del pensamiento y alma humana de cada momento de la historia. No tendremos nada que decir si no vivimos intensamente el pensamiento filosófico que nos ocupa. Esto nos lleva a que la música no ha de ser únicamente bella, debe ser el contenedor de algo más grande. El auténtico contenido a de ser una militancia y un compromiso con algo más que la creación de algo bello.

Beethoven no escribía música para hacer ejercicios abstractos, ni por enlazar acordes de una forma ingeniosa, esto sólo era una herramienta para gritar con fuerza lo que el ser humano ha venido hacer en este mundo. Y es vivir en comunidad y trascender a nuestro presente de la misma forma que los pintores de la prehistoria dibujaban animales en las cavernas o Miguel Angel nos mostraba en la capilla Sistina que nuestra realidad sólo es un reflejo de algo más profundo, como la esencia auténtica del hombre entre otras cosas.




4. En el año 2005 fundaste con tu hermano el violonchelista Alberto Martos Garnati Ensemble, y el 2013 fuiste director artístico de la serie de conciertos Garnati en Granada. ¿Por qué decidiste fundar Garnati Ensemble y cuales erán los retos de ello y de la serie de conciertos como director artístico? Cuál es son tus futuros objetivos y proyectos como solista y como músico de Garnati Ensemble. También das clases magistrales, cuál es tu principal consejo para los jóvenes músicos.

Creemos que la música de cámara es una de las fuentes más inagotables de disfrute y experimentación musical.

En todos mis procesos creativos, la curiosidad es lo más importante. Queríamos saber cómo sonaban en nuestras manos las obras más representativas de la historia de la música de cámara y paralelamente queríamos dar voz a muchos autores que por diversas circunstancias no suenan todo lo que debieran.

Garnati Ensemble siempre nos permite investigar y adentrarnos en universos nuevos sin necesidad de tener que organizar una gran producción con todas las dificultades de tiempo y dinero que ello conlleva.

Hemos podido interpretar una transcripción atrevida de las Variaciones Goldberg, estrenar los tríos de Conrado del Campo, se trata de una gran música que ha estado 100 años guardada en un cajón. Además, tenemos la gran suerte de que autores actuales escriban música para nosotros. Tenemos la oportunidad de trabajar con ellos codo a codo probando las distintas sonoridades y en ocasiones haciendo sugerencias. Todo ello genera un caldo de cultivo perfecto para mantener en todo momento el alma viva e inquieta con la curiosidad. Curiosidad que aunque se vaya alimentando, cada vez es más insaciable.

Mi principal objetivo es mantener esta ilusión y seguir trabajando en esta línea. Mis próximos proyectos solistas son las actuaciones y grabaciones de las Sonatas y Partidas de Bach e igualmente con la música de Niccolo Paganini. Pero trataré de mostrar una faceta bastante desconocida del genio italiano, hasta aquí puedo decir ya que la sorpresa es un arte en sí y ¡quiero intentar trabajarla también!

Pablo Martos toca Bach Allemande,
Partita II in D minor BWV 1004


 
Espero sorprender con mis próximo proyectos tal y como yo me sorprendo cuando estoy trabajando en ellos. Y deseo generar curiosidad y a quien encuentre mis trabajos.

Uno de los próximos proyectos de Garnati Ensemble esta relacionado con la obra completa de Mozart. Y sólo hasta aquí puedo decir también.. (Una alegre sorpresa más nos espera…)
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A los alumnos que quieran ser músicos de verdad, les diría que se aventuren en ello tal y como Don Quijote de la Mancha aventuraba sus andanzas. Con humildad pero con coraje. Escuchando y leyendo con la máxima atención y curiosidad todas las historias que hay por el camino.

Son pistas fundamentales. Lo importante no es llegar a ninguna meta porque creo que ésta no existe, sólo hacer el camino con la máxima autenticidad posible.

Que aprendan de los grandes maestros aunque más adelante para nada les hagan caso en todo, ya que lo importante está en que ellos se pregunte el porque de cada cosa. Que escuchen las justificaciones de cada maestro y que una vez vivan e investiguen la pregunta, den su propia respuesta.

Esto no ha de estar nunca basado en la arrogancia o en la vanal confianza en sí mismo, sino en el trabajo diario y en la búsqueda inquieta que demuestra claramente qué es lo que funciona mejor en la sensibilidad de cada uno. Es una forma para ver cuál es la mejor forma para cada uno de interpretar o escribir música.







5. Su obra favorita de Mozart y su obra favorita de J. Haydn.

Me es absolutamente imposible decir una sola obra favorita de cada uno de los autores. Tampoco lo son todas, la verdad.
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Me encanta el misterio con el que empieza el cuarteto disonancias de Mozart. La ingenuidad y ternura de las tempranas sonatas para violín y piano…

Sobrecogedora la fuerza de la Sinfonía número 39, y no digamos delRequiem

Cada obra es un mundo y siendo Mozart un autor prolífico, una de las cosas que más me fascina es su incontinencia a la hora de exponer melodías… aunque en ocasiones, en la forma musical no proceda, ¡él no puede evitar insertar una bellísima melodía que se le acaba de ocurrir! ¡Esto le pasa continuamente y me parece divertidísimo!
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De Haydn me fascina su artesanía, rigor y como hace conscientemente pequeñas travesuras en sus partituras para mostrarnos que nada es tan predecible como a veces esperamos. He interpretado mucho sus tríos para piano, violín y violonchelo. Y los conciertos de violín me parecen de una elegancia y genialidad absoluta, la desnudez ante la que se encuentra el solista algunas veces hacen que sean de gran dificultad pero también de una extremada belleza. A pesar de sus características barrocas, el espíritu da un giro y para mi simbolizan la alegría de vivir propia del Siglo de las luces.




6. ¿Tienes en mente algún compositor del siglo XVIII que sea un poco desconocido y que te gustaría que estuviera en el lugar que merece por su alta calidad?

Desafortunadamente demasiados.

Los cuartetos de Manuel Canales son muy especiales, tienen un lenguaje propio aunque claramente marcado por esta época.

También me encanta este periodo de la música cuando encuentro autores con un aire italianizante. Estamos muy acostumbrado a asociar este periodo a Mozart o Haydn. Me gusta mucho la música de Pietro Nardini. Se siente muy bien el clasicismo en ella y me gusta como está sazonada con el virtuosismo italiano que me recuerdan los motivos vivaldianos o de Locatelli.

José Herrando también es un gran autor español con una bella colección de Sonatas para violín y bajo continuo. En este caso, el bajo continuo está realizado para un violonchelo sólo (Sin cifrado). Esto hace que al oído moderno nos suene menos lleno que un bajo continuo con clavecín y algo más, pero a pesar de ello y si te pones a sentir a vivir la experiencia con un oído de la época, resultan imaginativos y fascinantes.




7. Nombra una obra musical del siglo XVIII que te gustaría que fuera interpretada en concierto con más frecuencia.

Los Conciertos para Violín de Nardini. Tienen una estructura parecida a los Haydn pero con unas frases y ornamentos a la italiana. Siempre me gustó el tratamiento virtuoso de la música instrumental italiana.

De Joseph Bologne, Chevalier de Saint George me encanta el Concierto Op. 5 nº2 en La Mayor para violín. En realidad sus conciertos me parecen fascinantes. Creo que si la gente supiera más sobre su vida tendrían más curiosidad por escuchar su música. Me parece increíble que fuera el primer compositor occidental con ascendencia africana. Fue hijo de una esclava africana y un militar francés en las islas del Caribe. Además fue bailarín y maestro de esgrima. Su música tiene una vitalidad y un ingenio en la melodía maravillosa.

Algo parecido pasa con el Concierto para violín en Sol Mayor de Jan Jiří Benda. Es una joya maravillosa llena de bellas frases.






8. ¿Has leído algún libro en particular sobre la época de Mozart que consideres importante para la comprensión de la música de su periodo?

Hay dos libros fundamentales que considero imprescindible para entender el espíritu y la forma de construir música en el siglo XVIII. Son los Tratado de Leopold Mozart y el tratado de flauta de J.J. Quantz.

En el de Quantz tenemos todos los elementos para interpretar correctamente la música de Bach. Mi maestro Reinhald Goebel aseguraba que a partir del capítulo XI o XII (no recuerdo bien…), cuando se acababa la parte de Flauta, estaba escrita por Pisendel, un gran violinista de la época que estuvo en cercano contacto con Bach. Si se aplica esta lectura a su música veremos que es más fácil tocarla y tiene más vida y ritmo…

El tratado de Leopold Mozart también es muy útil aunque mi conclusión es que al final debes hacer sonar la música con buen gusto y acorde a los parámetros de la época. L.Mozart insiste mucho en los tipos de arcadas y digitaciones que hemos de emplear en las distintas situaciones, sin embargo yo considero que esto no es aplicable eficientemente hoy día al arco y violín actual. Sencillamente se trata de un instrumento diferente en el que la tensión de las cuerdas y la resistencia que ofrece el instrumento no hace viable todas las propuestas de L. Mozart, pero es imprescindible conocerlas para que cada uno traduzca estas intenciones al instrumento cuerdas y arco con el que pretende hacer la interpretación.

Fueron una gran inspiración para mi grabación de Haydn, aunque me permití bastantes libertades, ya que grabé con un instrumento no historico, al igual que la orquesta. Incluí mis propias cadencias y Quantz habla en su tratado de la importancia de hacerlo así.




9. Nombre una película o un documental que pueda mejorar la comprensión de la música de este período.

Desgraciadamente conozco pocas películas o documentales que traten específicamente sobre la música en este periodo. Como digo, los personajes más taquilleros (por emplear jocosamente el término que se utiliza en el cine) de la época en el ámbito musical, eran principalmente Mozart y después Haydn.

Por eso creo que no se han llevado al cine o al campo documental con la insistencia que merecen otros grandes momentos de la música. Que interesante sería ver en un cuidado documental la gestación del estilo clásico con los hijos de Bach, o la escuela de Mannheim que tanto impresionó a Mozart.

Sin embargo y a pesar de que no se trata una película sobre música, sí que hay un título que me conmueve especialmente. Se trata de Barry Lyndon de Kubrick.

Está ambientada en el siglo XVIII y la banda sonora es impresionante, desde música de Haendel interpretada con pasión romántica hasta el Andante delTrío en mi bemol mayor de Schubert. Creo que narra muy bien el tipo de vida y ambientes que los grandes compositores de la época vivieron. Y por ello nos puede ayudar bastante entender su momento y su arte.





10. ¿Cree usted que hay un lugar especial que resultara crucial en la evolución de la música del siglo XVIII?

Creo que en la época fue imprescindible visitar Salzburgo, Mannheim o París para entender qué es lo que estaba ocurriendo en el mundo musical. Siempre resultará agradable visitar hoy día estos lugares en busca de fetiches para ser admirados.

Pero no creo en un lugar físico hoy día como destino de peregrinación para los músicos. No creo en un lugar que nos infunda un conocimiento más lejos de la emoción que podamos sentir al estar ante el violín del mismo Mozart o algo así.

Creo que la música es algo mucho más grande que la pura experiencia sensorial de estar o visitar un lugar físico.

La herencia que nos dejaron Mozart o Haydn transciende a todos los lugares incluso a todos los tiempos.
Es un lenguaje tan universal que verdaderamente habita en nuestro interior y nos acompaña allá donde vayamos. Lo que verdaderamente nos acercará a su esencia es estudiar con profundidad la partitura y conocer la literatura que nos explica esta época.






Muchas gracias por haber tomado el tiempo para responder a nuestras preguntas!
Gracias!



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